Los 5 mejores solos de la historia

1) Led Zeppelin - Stairway to Heaven (Jimmy Page)

Jimmy Page, OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista de rock conocido por haber sido uno de los líderes del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos.1 Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. 

La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años '70, y de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores. El riff rápido y orientado hacia el heavy metal de "Communication Breakdown", una canción que aparece en el trabajo debut de Led Zeppelin, homónimo, está considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de "Heartbreaker", tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años '80

2) Pink Floyd - Comfortably Numb (David Gilmour)

David Gilmour, CBE (Cambridge, Inglaterra, 6 de marzo de 1946) es un influyente músico inglés conocido por ser el vocalista, guitarrista y compositor junto a Roger Waters de la banda inglesa de rock progresivo Pink Floyd tras el abandono de Syd Barrett.

David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, hijo de un zoólogo profesor en la Universidad de Cambridge y de una profesora y editora de cine. Acudió a la escuela Perse en Cambridge, situada al lado del instituto en el que cursaba sus estudios Syd Barrett, de quien se hizo amigo. David y Syd solían juntarse a tocar la guitarra, y David le enseñaba a tocar canciones de los Rolling Stones. 
En 1963 formó la banda Joker's Wild, con algo de popularidad localmente, que abandonó en 1966 para viajar por España y Francia con unos amigos. La mala situación en la que vivía, llegando incluso a ser tratado en un hospital por malnutrición y tomar empleos casuales como modelo, hizo que regresase a Inglaterra en 1967.

Gilmour entró en Pink Floyd en enero de 1968, convirtiendo a la banda en un quinteto durante un corto período. En esos momentos, su trabajo consistía en sustituir a Syd Barrett cuando éste no podía continuar con los conciertos. Cuando Barrett dejó el grupo, Gilmour se convirtió en el guitarrista y en uno de los vocalistas (junto con Roger Waters y Richard Wright) del grupo. Después de la publicación de The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, Waters se hizo con el control de la banda, componiendo la mayoría de las canciones de Animals y The Wall. Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

3) Lynyrd Skynyrd - Free Bird (Allen Collins/Gary Rossington)

Lynyrd Skynyrd es un grupo de hard rock estadounidense considerado «el grupo definitivo de rock sureño, fusionando la potencia saturada del blues-rock con una imagen sureña rebelde y la arrogancia del hard rock».1 El grupo adquirió importancia durante los años 70, bajo el liderazgo del vocalista y compositor principal Ronnie Van Zant, hasta su muerte en 1977.
En 1970, el grupo empezó a ensayar constantemente en el "Hell House", una granja aislada en Green Cove Springs, Florida, una pequeña ciudad en Clay County, Florida, en las afueras de Jacksonville. Por esas fechas, un roadie, Billy Powell ingresó en el grupo como teclista. También el nombre final del grupo hizo su primera aparición. Después de ser castigados varias veces por Leonard Skinner, el grupo tocando en un show y todavía conocidos como "One Percent", Van Zant bromeando anunció desde el escenario que desde ese momento serían conocidos como "Leonard Skinner".

El nombre siguió modificándose primero "Lynard Skynard" y finalmente "Lynyrd Skynyrd". Con motivo de este juego fonético, el título de su primer álbum de estudio, hacía referencia a como debía pronunciarse correctamente el nombre del grupo: "(pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd)" de MCA (1973). En 1972 la banda fue descubierta por el músico, compositor, y productor de Al Kooper, de la banda Blood, Sweat & Tears, que había asistido a una de sus presentaciones en un club de Atlanta. León Wilkeson salió de la banda justo antes de que se grabara el álbum (Wilkeson reincorporó a la banda poco después por invitación de Van Zant y es fotografiado en la portada del álbum). 

Ed King, guitarrista de Strawberry Alarm Clock, se unió a la banda y tocó las partes de Wilkeson en el álbum, con un poco de guitarra. King se pasó a la guitarra después del lanzamiento del álbum, permitiendo a la banda emplear la combinación de tres guitarras utilizadas en el estudio. Lanzado el 13 de agosto de 1973, el álbum incluyó el éxito "Free Bird", que sonó en radios de todo el país, con el tiempo alcanzó el puesto # 19 en el Billboard Hot 100, y todavía se considera un himno del rock and roll de hoy.

4) Van Halen - Eruption (Eddie Van Halen)

Los hermanos Van Halen, Eddie y Alex, nacieron en Holanda y en el año 1967 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, de nombre Jan Van Halen, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el rock and roll, por lo cual desarrollaron su pasión por este género, lo que los llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos. Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo Eddie, aprovechando que Alex salía constantemente a fiestas, agarraba su guitarra y la tocaba desde muy temprano hasta la madrugada, Alex cuando llegaba de las fiestas, veía sentado a Eddie al pie de su cama, tocando casi 8 horas diarias. Al ver Alex la destreza de Eddie, pasó a sentarse en la batería.

Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela, donde Eddie parecía inspirarse por guitarristas como Allan Holdsworth, Eric Clapton,Joe Perry, Brian May y Jimmy Page.

Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo.

En la escuela secundaria estaba Michael Anthony quien dijo: "todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le quitó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mammoth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salad, en 1974.

5) Eagles - Hotel California (Don Felder / Joe Walsh)

Eagles es una prestigiosa banda estadounidense de rock formada en Los Ángeles, California en 1971.1

Inicialmente su música era una mezcla entre country e instrumentación bluegrass con armonías de surfer rock californiano. El resultado fueron baladas sensibles y música con cierto toque country y pop-rock. Sus letras hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores tremendamente dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon.

The Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de una formación musical, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y se movió hacia un sonido claramente más rockero.

Con cinco sencillos y seis álbumes números uno, The Eagles están entre los mejores grupos de estudio de los años 70. Al final del siglo XX dos de sus álbumes, [[Their Greatest Hits II y Hotel California, quedaron clasificados entre los 20 álbumes superventas de EE UU según la RIAA (The Recording Industry Association of America - Asociación de Industria de Grabación de América). Asismismo, según la revista Rolling Stone en 2004, el álbum "Hotel California" está clasificado entre los 500 mejores de todos los tiempos, y el grupo ocupa el número 75 en la lista de los 100 mayores artistas de todos los tiempos. Hasta la muerte de Michael Jackson en 2009 (hecho que aumentó las ventas de su álbum Thriller), tenían en su haber el álbum más vendido de EE UU: Their Greatest Hits.

6) YAPA Guns N' Roses- November Rain

Saul Hudson (nacio el 23 de julio, 1965 en Inglaterra), más conocido como Slash, es un guitarrista de hard rock.

Fue el guitarrista solista del grupo estadounidense Guns N' Roses durante muchos años, y más tarde participó en la banda Velvet Revolver junto con sus compañeros Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N' Roses y el guitarrista Dave Kushner (ex miembro de Suicidal Tendencies e Infectious Grooves).

Slash audicionó para la banda Poison, cuando esta estaba en formación, pero no fue elegido por los mismos integrantes de la banda. Perteneció a la banda Road Crew junto con Steven Adler, futuro baterista de Guns N' Roses. En 1985 la banda Guns N' Roses, despidió a su guitarrista original Tracii Guns, en ese momento Slash se une a la banda a la que antes se había unido ya Duff McKagan y luego Steven Adler.

En 1987 editan su álbum debut, Appetite for Destruction, el disco vendió 33 millones de copias, tuvo tres canciones entre el top 10 («Welcome to the Jungle», «Sweet Child o' Mine» y «Paradise City»), y alcanzó el número 1 en las listas. Appetite For Destruction es el disco debut más vendido de la historia.

En 1988 graban su segundo álbum de estudio, G N' R Lies. Que incluye las cuatro canciones del demo Live ?!*@ Like a Suicide más cuatro canciones grabadas en vivo, incluyendo la controvertida «One in a Million».

En 1991, Guns N' Roses se embarcó en una larga gira de 28 meses, "Use Your Illusion Tour", que coincidió con el lanzamiento de sus nuevos discos Use Your Illusion I y Use Your Illusion II, una de las giras mas extensas de todos los tiempos. Después de la gira de los Use Your Illusion, Slash se convirtió en ciudadano estadoun

idense.

En 1993, la banda graba The Spaghetti Incident?, y en 1994 la versión de «Sympathy for the Devil» para la película Entrevista con el vampiro. Además de los cuantiosos problemas con Axl Rose, este despide a Gilby Clarke y contrata a Paul Huge, que sobregraba los solos que había hecho Slash sin tomar en cuenta al resto de la banda.

Slash abandona definitivamente Guns N' Roses el 30 de noviembre de 1996 después de declarar que no podía trabajar con Rose y que no le gustaba la forma en la que los trataba a él y al resto de la banda. Había grandes diferencias en la dirección musical entre Slash, que por una parte quería más protagonismo, y Axl, que intentaba llenar el espacio dejado por Izzy Stradlin eligiendo él mismo a guitarristas de reemplazo sin consultar al resto del grupo.

Los 5 mejores de la historia...

1.James Marshall «Jimi» Hendrix 

Nacido Johnny Allen Hendrix; Seattle, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1942 – Londres, Reino Unido, 18 de septiembre de 1970 fue un músico y cantautor estadounidense. Hendrix es considerado el mejor guitarrista eléctrico de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX. 

Musicalmente influenciado por el rock and roll y blues eléctrico americanos, tras tener un éxito inicial en Europa con su banda The Jimi Hendrix Exp

erience, logró fama en los Estados Unidos tras un concierto en 1967 en el Festival Pop de Monterey. Más tarde, encabezó el Woodstock Festival en 1969, y el Isle of Wight Festival de 1970, antes de fallecer a los 27 años.

Es citado frecuentemente por varios artistas,por diversas revistas especializadas en música, por varios críticos y la prensa en general y por la admiración y el cariño de la gente como el más grande guitarrista de la historia del rock and roll, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros. 

Hendrix fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992. 

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia. En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Jimmy Page, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros. 

Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock.4 Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción Voodoo Child según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como Guns N' Roses, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras. 

2.Angus Young

Angus McKinnon Young, (Glasgow, Escocia, 31 de marzo de 1955), es un músico australiano nacido en Escocia, conocido por ser uno de los miembros fundadores y el principal guitarrista del grupo AC/DC, aparte de ser el único miembro que ha permanecido en la banda desde su inicio junto con su hermano Malcolm Young.

Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll junto a los miembros actuales de la banda en el 2003. Es conocido por sus salvajes y enérgicos movimientos en el escenario, y su peculiar uniforme de colegial. Además, en el año 2014 se sitúa en el puesto número 96 de "los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos", concedido por la revista Rolling Stone, y en el puesto 24 en una nueva edición de 2011 de "los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos", también por la revista Rolling Stone, y en el puesto número 20 de la lista "los 100 mejores guitarristas", de la revista Total Guitar.

3.Eric Clapton

Eric Patrick Clapton, CBE (Ripley, Surrey, Reino Unido, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds y con el de "God" ("Dios" desde su época con Cream . Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirds, de Cream y por su carrera en solitario. En opinión de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas de la cultura de masas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Aparece en el puesto número 2 de la lista "Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 55 de su especial "Inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos". Además, en 2005 la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos. 

Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock conJohn Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario: Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" oreggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff". Algunos de sus mayores éxitos han sido los temas "Layla" de su época con Derek and the Dominos, Sunshine of your love con Cream y "Tears in Heaven", dedicada a su fallecido hijo, que compuso en solitario. 

4.Bod Dylan

Bob Dylan (n. Duluth, Minnesota, Estados Unidos; 24 de mayo de 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es un músico, cantante y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música popular, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX. 

Muchos de los más célebres trabajos de Dylan datan de la década de 1960, en la cual se convirtió en un cronista informal de los conflictos estadounidenses. Aunque es bien conocido por revolucionar el concepto de los límites de la música popular en 1965 con el single "Like a Rolling Stone"3 de seis minutos de duración, algunas de sus primeras canciones, como "Blowin' in the Wind" y "The Times They Are a-Changin'", se convirtieron en himnos antibélicos y de los movimientos civiles de la época.4 Uno de los últimos álbumes de estudio de Dylan, Modern Times, publicado en 2006, entró directamente en el primer puesto de la lista Billboard 200 y fue nombrado álbum del año por la revista musical Rolling Stone. 

Las primeras letras de Dylan abordaban temas sociales y filosóficos y delataban una fuerte influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, desde el folk, el country, el blues, el gospel, el rock and roll y el rockabilly hasta la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing. 

5.Chuck Berry

Charles Edward Anderson "Chuck" Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926), mejor conocido como Chuck Berry; es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock and roll de la historia.

Es una figura influyente y uno de los pioneros del rock and roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Bobby Troup, "Johnny B. Goode" y "Maybellene". 

En 1989 publicó su autobiografía. 

La revista Rolling Stone lo presenta como el intérprete n.º 5 de toda la historia en su lista "The Immortals" superado solo por The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. La revista Rolling Stone lo cita como el sexto mejor guitarrista de todos los tiempos. 

La guitarra eléctrica

Historia

La guitarra eléctrica fue inventada en Estados Unidos a mediados del siglo XX, por el compositor de jazz Les Paul, sin saberlo el crearía una gran historia con su nueva invención, consecuencia de la aparición del amplificador en el año del 1935. A partir de ese momento fueron muchos los instrumentos que sufrieron alteraciones en su diseño acústico tradicional e incorporaron algún tipo de sistema eléctrico.La guitarra fue uno de los primeros en adaptarse y, a pesar de que varias marcas innovaron en esa dirección en poco tiempo, la manufactura de la primera guitarra e

léctrica se le puede atribuir a la marca Rickenbacker. Los primeros músicos en adoptar este sistema para tocar fueron guitarristas de operetas y Jazz, quienes previamente no contaban con los medios para que su instrumento se escuchara dentro de las orquestas. Leo Fender diseñó la primera guitarra eléctrica sólida con mástil desmontable y pocas piezas, para que los intérpretes no tuvieran problemas al tener que cambiar piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la Fender Telecaster, primera de muchas guitarras eléctricas de cuerpo sólido. Dando paso a una era de músicos.

Estructura

Guitarra eléctrica Epiphone Les Paul con dos pastillas Humbucker.

La guitarra eléctrica está formada por las siguientes partes:

1.Clavijero.

2.Ceja.

3.Clavija.

4.Trastes.

5.Tensor del mástil o "Alma".

6.Marcadores de posición.

7.Diapasón.

8.Mástil.

9.Cuerpo.

10.Cápsulas o Pastillas.

11.Perillas o controles de volumen y tono.

12.Puente.

13.Protector o golpeador.

El cuerpo: normalmente es de madera (los modelos tradicionales de cuerpo sólido utilizaban aliso, caoba, o fresno, a pesar de que en los últimos tiempos se comenzó a utilizar una gran variedad de nuevas maderas). Aloja en la parte interior los compone

ntes electrónicos y puede ser sólido, semisólido (con una pequeña caja de resonancia) o totalmente hueco. La densidad de la madera incide en el lapso que una nota permanece sostenida después de pulsar la cuerda (conocido en inglés como sustain), y el timbre del sonido.

El mástil: también suele estar hecho de una o varias piezas de madera (tradicionalmente arce o caoba, a veces cubierto por una capa de madera llamada diapasón de palorrosa, ébano u otras maderas duras), es construido con una barra de acero u otro material muy resistente en su interior, llamada alma, que tiene el fin de contrarrestar la tensión de las cuerdas y mantener la linealidad del mismo. Los dos sistemas más populares de construcción lo colocan atornillado al cuerpo (como en la mayoría de las guitarras Fender) o bien encolado al mismo (sistema típico de la marca Gibson). Otra alternativa son las guitarras tipo neck-trough, donde el mástil continúa atravesando el cuerpo, con los costados del mismo encolados a él. La pala o clavijero, es el extremo del mástil donde las cuerdas se enrollan a las clavijas (mecanismos accionados por un tornillo sin fin que regula la tensión de las mismas). Suele llevar inscriptos el logo de la marca y el nombre del modelo de la guitarra, ya que es la parte que nunca queda cubierta por el intérprete al tocar.

Componentes

Las pastillas (pickup en inglés) electromagnéticas están formadas por un imán permanente rodeadas por un bobinado de alambre de cobre. Cuando un cuerpo metálico ferromagnético se mueve dentro del campo magnético del imán permanente se provoca una corriente inducida en el bobinado proporcional a la amplitud de movimiento y de frecuencia igual a la de la oscilación del cuerpo. Esta corriente es muy débil, por lo que el cableado del interior de la guitarra y el que va desde ésta hasta la amplificación debe estar muy bien apantallado, para evitar ruidos parásitos.

Las pastillas electromagnéticas se encuentran en diversas formas, pero normalmente dos: las single coil con un solo núcleo magnético y las humbucker (del inglés "hum", ruido) con dos núcleos magnéticos y doble bobinado para eliminar ruidos. Las primeras son

las más comunes, el bobinado simple da al instrumento un sonido más brillante pero generan una descarga o ruido al ser saturada por algún efecto de distorsión. Este tipo de pastillas pueden ser observadas en guitarras tipo Stratocaster o Telecaster. El doble bobinado de las segundas permite básicamente eliminar ese ruido y la descarga que se genera con las pastillas simples, y además, un sonido más grave, grueso y nítido. Guitarras de la marca Gibson, como los modelos Les Paul y SG, utilizan este tipo de micrófonos. Estas últimas suelen ser las preferidas para distorsionar su señal en estilos rock más "duros".

Las pastillas piezoeléctricas se basan en el efecto piezoeléctrico de algunos materiales como el cuarzo que al ser deformados en un plano provocan una corriente proporcional a la deformación producida. Suelen ir en el puente o en los asientos de las cuerdas pues deben estar en contacto casi directo con la cuerda. Su sonido es más natural que el de las electromagnéticas. A diferencia de las pastillas simples o dobles, estas presentan un preamplificador integrado que le da al sonido mucha más ganancia, nitidez y volumen. También son llamados pastillas cerámicas ya que no presentan los imanes a la vista como si lo muestran los micrófonos anteriormente nombrados. Se pueden observar colocados en varias guitarras de la marca Jackson o ESP. No están afectadas por campos eléctricos o magnéticos por lo que son inmunes al llamado "ruido" eléctrico procedente de motores , luminarias fluorescentes o aparatos electrónicos.

¿Fabricamos una guitarra?...

La construcción de una guitarra tiene una duración variable en función del modelo y de la climatología .

En primer lugar es muy importante la selección de la madera que se utilizará para la construcción de la guitarra , partiendo de maderas de la más alta calidad y procedentes de diversos lugares del mundo se obtienen las diferentes partes que formarán la guitarra. A partir de la madera seleccionada por

el artesano y que prepara con en procesos de secado durante largo tiempo, se fabrican cada uno de los componentes de la Guitarra .

Para la fabricación del mástil se procede al encolado de la pala y el zoquete al cual se irá dando forma manualmente. 

Es primordial que dicha madera esté seca, debido a que la utilización de una madera húmeda puede conllevar que la guitarra se doble o que incluso llegue a partirse durante el proceso de manipulación. Una vez se dispone de un material adecuado para su uso, se procede a cortar la madera para la obtención de las piezas necesarias para la construcción de la guitarra. 

Todos estos elementos, excepto los metálicos (clavijeros) y sintéticos (huesos), se fabrican integramente en la propia empresa y forman lo que hemos llamado los componentes.

La tapa es uno de los componentes básicos de la guitarra, de ella dependerá su calidad sonora. 

 La tapa a su vez presenta una abertura decorada con una masilla de marquetería cuyo diseño es uno de los rasgos de identificación de un fabricante.

Con las piezas ya cortadas, procedemos a encolar el mango a la tapa, para posteriormente encolar los aros, la culata, cenezas, cadenas y centellones. Una vez estando todas las piezas encoladas se rebajan las cadenas para encolarle el fondo enrollando la guitarra con una cuerda ( metodo tradicional ) y luego se Roseta el aro y el fondo para proceder a encolar los perfiles.

Después se rebajan los perfiles y se encola el diapasón, seguidamente se alinéan el diapasón, se le hacen los cortes para poner el traste. Luego se hace el dibujo de la testa, se hacen los agujeros en la pala donde va el clavijero. Para luego acabar la guitarra lijando la guitarra, primero con lija gruesa y luego rematarla con lija fina, dejándola preparada para pintarla.

Tras unas pasadas de fondo se le da el acabado, el pulido para darle el brillo característico de la guitarra. Seguidamente se encola el puente, se limpia el diapasón, se ponen los clavijeros y los huesos, para por último encordar la guitarra, se prueba que al tocar la guitarra no se toq

uen los trates para sacar un sonido limpio.

Todo esto resumido es el procedimiento de montaje y acabado de una guitarra española.

"Hagamos un poco de Historia General sobre la Guitarra Española"

La guitarra es un instrumento musical de cuerdas que son pulsadas con los dedos, antiguamente las cuerdas eran de tripa y hoy en día son de nylon, tiene una caja de resonancia con la parte posterior plana y suaves curvaturas que le dan un donaire especial, en contraste con los miembros de la familia del laúd, que se caracterizan por su fondo convexo. 

Su construcción es de primordial importancia para poder asignar a la guitarra su verdadero origen y posición en la historia de los instrumentos musicales, un sitial intermedio entre la cithara y el violín. Los instrumentos medievales de cuerdas con mástil se dividen en dos clases, caracterizados principalmente por la forma y construcción de la caja de resonancia:

• Aquellos instrumentos que como su arquetipo, la cithara, tienen una caja compuesta por un fondo plano o ligeramente arqueado y una tapa armónica sujeta por una especie de costillas denominadas varetas, barras de refuerzo de madera.

• Los instrumentos, que como la lira, tienen una caja que consiste de un fondo convexo sobre el cual se apoya la tapa armónica sin ningún tipo de costillas de madera. Este método de construcción difundido entre los instrumentos orientales es musicalmente inferior al primero.

Se presume que la sexta cuerda o última cuerda fue añadida al instrumento en 1790 por Jacob Otto de Jena, quien fue el primero en construir guitarras en Alemania después de su introducción desde Italia en 1788, por la duquesa Amalia de Weimar. Según Otto, fue el Kapellmeister Naumann de Dresden quien le solicitó le fabricara una guitarra de seis cuerdas, de acuerdo a como se practicaba en Italia. El alemán añadió el último Mi, una cuerda entorchada. La guitarra original traída desde Italia por la duquesa Amalia tenía cinco cuerdas, siendo sólo la quinta cuerda entorchada. Otto también cubrió la cuarta cuerda de metal, obteniendo de tal modo un sonido más brillante. Sin embargo, en España ya existían guitarras y vihuelas de seis cuerdas en el siglo XVI; Juan Bermudo y otros ya describieron estos instrumentos. La última cuerda solía estar afinada en Sol. Otras guitarras españolas de la misma época tenían cuatro, cinco, e incluso siete órdenes - o pares de cuerdas - al unísono. Estos instrumentos eran siempre tañidos con los dedos.

La guitarra se desarrollo a partir de la cithara, tanto estructural como etimológicamente. Frecuentemente se sostiene que los árabes fueron los que introdujeron la guitarra a España con las invasiones de los Moros. Sin embargo, no existe ninguna documentación específica y existen muchas dudas con respecto a esta postura. No existen indicios entre los instrumentos árabes de uno igual o similar a la guitarra en construcción y forma, aunque los antiguos egipcios conocían una guitarra con lados suaves y curvos.

(I). La guitarra como descendiente de la Cíthara

La palabra guitarra puede ser una modificación de la palabra griega k i q a r a (kithara). La diferencia en la construcción de la guitarra y la cíthara no es tan sustancial como podría parecer a primera vista. Los dos pertenecen a la familia de instrumentos de cuerda pulsada que se distinguen por una caja de resonancia con fondo plano. La cíthara tiene sus cuerdas soportadas por un marco y la guitarra por el puente. Sin embargo, esta diferencia a la vista conspicua, no es de importancia acústica. Es posible, de hecho, que la guitarra sea un descendiente distante pero directo de la cíthara en su última forma romana. Durante la época del oscurantismo la lira clásica, en virtud de su fondo bombeado tenía afinidades con la familia del laúd, pero tendió a declinar en favor de la cíthara y los nombres empezaron a confundirse entre sí. Por ejemplo, es evidente que los primeros instrumentos medievales que eran descendientes de la cíthara posclásica, como las varias formas de la chrotta o rota, frecuentemente fueron descritas por el nombre de lira. La lira durante el renacimiento aparentemente era un instrumento muy diferente, pero en realidad no era otra casa que la lira medieval sin marco y con cuerdas que eran soportadas sólo por el mástil. La hipótesis que la cíthara y la guitarra estén vinculadas por el mismo curso de evolución es en cierta magnitud apoyada por evi

dencia terminológica. Siempre se realizó una distinción entre la guitarra latina y la guitarra morisca o sarracena. A la primera se referían los instrumentos construidos con caja de resonancia plana como la guitarra y su pariente bastante cercano, la vihuela; mientras que la guitarra morisca fue siempre referida a los instrumentos de fondo cóncavo, común a la familia del laúd.

Con estas consideraciones se puede concluir que la guitarra es el descendiente en suelo europeo de un instrumento romano, es decir la cíthara que además tiene un nombre con una afinidad etimológica importante y que fue llevada a España por los romanos aproximadamente en el año 400 d.C.; teniendo en cuenta que el laúd siempre ha sido considerado por consentimiento común, un instrumento Oriental transferido a la Europa Medieval por la civilización pérsico-árabe durante la ocupación de los Moros en España en el siglo VIII.

(II). Acerca de la afinación y forma de las primeras guitarras

Las primeras guitarras tenían una caja de resonancia más pequeña y el fondo menos profundo que nuestras guitarras de hoy en día, las escotaduras laterales eran menos pronunciadas, el mástil más largo y angosto, terminando en una cabeza plana con clavijas de madera para cuatro órdenes de cuerdas; un cordón para la chanterelle (1º cuerda) y las 3 últimas en pares - era un instrumento esbelto y elegante. Adrián LeRoy, escribe a mediados del siglo XVI, y confirma que tenían 4 órdenes de cuerdas afinadas en intervalos de una 4ta, una 3ra mayor, y una 4ta. Esta es la afinación que Bermudo 7se refería como la "nueva" afinación, y que correspondía a aquella de las cuatro cuerdas intermedias del laúd y la vihuela. La "antigua" afinación difería de la nueva solamente en que la última o cuarta cuerda se afinaba un tono más bajo. La nueva y antigua afinación es mencionada por Alonso de Mudarra en sus "Tres libros de música en cifras para vihuela" que datan de 1546. La afinación más común para las guitarras de cuatro órdenes era c0 f 0 a0 d1 (añadiendo G0 y g1 se tienen los afinaciones modernas del laúd y la vihuela). Praetorius en 1618 nombra la siguiente afinación: f 0 b0 d1 g1. En la época que el quinto orden fue adoptado, el instrumento empezó a conocerse fuera de España como la guitarra española; se estableció rápidamente en Italia ganando popularidad y prontamente se difundió por toda Europa.

La nueva cuerda era afinada una 4ta más baja que la cuerda en c0, es decir, G0. De acuerdo a Trichet, 1640, que todavía usaba el antiguo término de gittern, manifiesta que la guitarra se tocaba bastante en Francia e Italia, pero más aun en España; él comenta que el espesor desde la tapa armónica hasta el fondo era de 3 a 4 dedos, el mástil tenía un espesor de 3 dedos y con 8 trastes, la boca poseía una roseta; también menciona la guitarra de cinco órdenes, todas en pares excepto por la chanterelle, y el hecho que también pudieran construirse guitarras con el fondo bombeado como la guitarra batente y Chitarra Batente Giorgio Sellas. Poco tiempo después, la chanterelle también fue duplicada, y este tipo de encordadura se mantuvo vigente hasta mediados del siglo XVIII, pero la afinación se subió en un tono durante el siglo XVII a A0 d0 g0 b0 e1. Espinel hizo uso de las dos afinaciones, de tono alto y bajo, pero desde la época de Ribayez (en 1677) la afinación de tono más alto prevaleció.

En España la guitarra fue un instrumento de la clase media, en contraste con la vihuela que era tocada por la aristocracia. De acuerdo a Praetorius, en Italia era un instrumento en mano de charlatanes y saltimbanchi, pero para fines del siglo XVII, se convirtió en un instrumento de moda, especialmente en Francia, que se dice fue introducida por los actores italianos a París.

Fabricantes como Stradivarius y Tielke no dudaron en construir estos instrumentos, muchas veces excesivamente ornamentados.

En el siglo XVIII la guitarra se convirtió en un instrumento para los principiantes, por lo tanto la encordadura se hizo más simple: los cinco pares de cuerdas abrieron curso a las seis cuerdas simples, afinadas E0 A0 d0 g0 b0 e1, como hoy en día.

En el siglo XIX las clavijas de madera fueron remplazadas por tornillos metálicos, se amplió la caja de resonancia aumentando las escotaduras laterales, engrosando la caja y se abandonó el uso de rosetas en la boca.

(III). Los tres últimos siglos de desarrollo.

En el siglo XVII Italia fue indiscutiblemente el centro de la guitarra, pero en el siguiente siglo nacerían otros centros guitarrísticos, como Francia, y en especial Alemania. Lo que dio lugar al surgimiento de la guitarra en Alemania, donde la música barroca llegó a un punto culminante con los maestros Bach y Haendel, fue que el uso del laúd se torno impracticable ya que llegó a tener hasta 24 cuerdas y la técnica necesaria demandaba muchos esfuerzos del ejecutante; entonces los músicos se dieron cuenta y se decidieron por tocar la guitarra, que era un instrumento más noble. Esto permitió que la guitarra se expandiera por otros países del este de Europa como Holan

da, Bélgica, Polonia, Checoslovaquia, y Rusia. A fines del siglo XVIII y principios del siglo XIX la guitarra española se convirtió en un instrumento en boga en todo el continente europeo.

Sin duda el paso más grande que se dio en el siglo XVIII fue la adición de la sexta cuerda, que como se dijo anteriormente fue Jacob Otto de Jena quien la añadió, pero que probablemente ya era usada en Italia. En el siglo XIX, la guitarra alcanzaría su punto máximo de desarrollo; varios fueron los factores que permitieron el desarrollo de la guitarra. Los cambios sociales a causa de la Revolución Industrial, ayudaron en sobremanera al establecimiento de la guitarra, las mejoras en los medios de transporte como los trenes, permitió el desplazamiento de los concertistas y por consiguiente el divulgamiento de sus obras.

La historia de la guitarra moderna llega a su cumbre con la figura del legendario Francisco Tárrega (nace en Villareal, 1852; muere en Barcelona, 1909), un connotado guitarrista y creador de la escuela moderna de la guitarra. Sus innovaciones no dependieron, como se dice, de tocar con las uñas o con la yema de los dedos, sino en el posicionamiento de las manos y los dedos, y la manera de pulsar las cuerdas. Tiene primordial importancia y Tárrega y sus discípulos dieron particular énfasis en el uso de la mano derecha. La preocupación de Tárrega era la de conseguir un mayor volumen en el sonido de la guitarra, en sus esfuerzos estudio los mecanismos del piano, y trato de comparar la pulsación de los dedos de la mano derecha que vendrían a cumplir en la guitarra la función de los martilletes del piano los cuales producen el sonido.

La guitarra todavía sobrevive en España, donde no sólo está en posesión de mendigos y copleros, sino que es considerada un instrumento muy serio, con una técnica bastante avanzada y grandes posibilidades en la música moderna. Tal vez nos viene a la memoria el legendario Andrés Segovia (nacido en 1890) que llevó a la guitarra a las grandes salas de concierto de todo el mundo, e influenció a que compositores modernos estudien la técnica de la guitarra y compongan para este instrumento, incluso conciertos para guitarra y orquesta como el de Castelnuovo-Tedesco. Un contemporáneo de Segovia fue Agustín Barrios, el más grande compositor e intérprete de guitarra de Sud América; nació en Paraguay y viajó por toda América y Europa. Sus composiciones alcanzan el número de 300 y son consideras por muchos guitarristas de un alto sentimiento musical.